活动回顾丨艺术与建筑设计中的东西方文化融合与表达

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活动回顾丨艺术与建筑设计中的东西方文化融合与表达

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分类：News资讯
作者：MEFine觅范
来源：MEFine觅范
发布时间：2022-07-13 17:44
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东西艺术各有特点，西方重形，东方重意。但设计与艺术的可贵之处正在于，作为个体的独特体悟。有碰撞，才有融合；有思考，才能为作品注入灵魂。设计是一场过去与未来的对话，将东西方文化娓娓道来。

6月24日，Roca Beijing Gallery设计互说第十四期，以“无问西东——艺术与建筑设计中的东西方文化融合与表达”为主题，邀请到80后当代艺术家黄玉龙以及PLAT ASIA联合创始人、韩国建筑师郑东贤，两位分别分享了自己的艺术理念及设计作品，并就相关话题进行探讨。本次还特别邀请到MEFine创始人白小白作为对谈活动的特约主持。本文为现场观点实录的梳理。

我是出生在首尔的韩国人，在韩国成长、学习后去往日本东京继续深造。2002年我来到中国，在北京生活、工作。由此可见，过去我的生活经历，包括建筑项目，基本上都在城市环境里，我看到的城市环境是规律、规则的。

直到前几年，我在大自然里做项目的机会越来越多，草原、海边、沙漠、树林……这时我发现在学校里学到的建筑理论和方法，包括毕业之后工作的经验，在大自然中几乎都是不成立的。于是我开始思考自然里面的建筑应该是什么样的。

上下分别为城市肌理和自然肌理

我认为东方和西方不能一分为二，每个城市、每个地方、每个小村落都有自己的地域特征。千年之前的东方和西方没有足够交流，可以说它们是两个不同的世界。但是自从100年之前开始，从人们周边的环境、城市、生活方式而言，东方和西方很难区分。但就样式、形式来说，西方影响占比更多一些，因为它的方式能提供更多便利。我们如今生活在断层后的时代（东方文明发展在100年前受西方文明冲击而被打断），东方原本的建筑、感知很可能会被我们遗忘。

我们曾经在北方做过一个项目：奇石博物馆。奇石文化是东方特有的文化，东方人把自然中的石头搬到空间里是有审美价值的，如果经过打磨或加工后，反而失去了价值；西方的宝石，对于石头有标准的加工要求，它的角度、反射度、透光率等需要满足一定条件才有价值。人类对石头的价值评价标准不同，这是我们在东方做奇石博物馆的出发点。

奇石博物馆

东方的奇石和西方的宝石

后来我开始思考自然到底意味着什么。“自然”“科学”“哲学”“空间”“社会”“美”，这些词汇在100年之前的东方都不存在。除了“自然”和“美”，其他的词汇都是在100年前把西方的科学和教育体系引入到东方的时候，才对应出的翻译词。

和“自然”同期引入的学科名词

我们东方人的祖先将“美”定义为善良，是内向、内敛的表达。但现在我们使用的“自然”实际上是西方概念“nature”的翻译词。每个词汇背后都蕴含着大量哲学和历史的积累。比如，西方发展史上的每个革命性事件都是对nature的一种极端、最小化的实践的反复。

比如宗教革命时大量清教徒移民到美洲大陆，他们告诉美洲原住民自然是可以开发、可以克服的，于是当地对自然的态度变成了开发和克服。到了科学革命时期，自然变成了“无知”状态，苹果掉下来的原因不是苹果本身的问题，而是整个世界物理学的研究对象。产业革命的时候，自然是大量生产、快速生产的原料，如何最快速地利用自然是产业革命的大背景。现在呼吁可持续发展，也是被定位成克服自然、克服生态问题的一种方式。

西方自然认知史

如今大部分情况下，我们说“自然”时脑子里已经存在一分为二的概念。曾经东方人认知的自然是“状态、形容词、一元论”，比如说这个手机、椅子、电脑摆得比较“自然”。西方的自然是“对象、名词、二元论”，反映出的自然是对象化的，要克服自然、利用自然或者是要解决自然的问题，这是对象化的状态。

进入到下一个阶段，我在思考对自然的不同理解如何体现出来。比如画风景画，西方人是坐在自然前面，打开画框模仿自然，目的是把眼前的自然复制在画框里。而东方的山水画不是直接模仿自然的状态，而是看到自然环境后，回家，关上门开始在纸上作画。画出来的作品不是对自然某种场景的模仿，而是一种理想的世界。东方山水画是画家精神的表达，不是物质状态的复制。

东西方的自然画作

如果将山水画视为一个巨大的沙盘，其中可以看出我们的祖先对理想世界或理想状态的描述。下面这幅画最好的景观点是那个凸出的地形位置，人过来的时候要经过桥，桥下是小瀑布，虽然刚开始看不到前面的房子和很美的景观，但我的耳朵里边有了水的声音。

我以前做过的一些项目也体现了我对山水画的理解。我的创作有两个关键词，一个叫“虚亭”（山水画里出现的房子），另外一个是“路径”。从环境进入到房子的路径很重要。以秦皇岛阿那亚森海·隐泉餐厅为例，建筑起来了之后，后边的槐树是看不到的，因为我们希望最好的风景最后出现，所以通过房子挡住景观。给人接触自然的一种过程。

阿那亚森海·隐泉餐厅，北戴河，2018

森海·隐泉餐厅原来建筑前面是停车场，我们和业主协商决定不要停车场。人进到它的入口有几次转折，我们故意把路径设置成这样，路径需要过程，到了屋檐下边还有几次转折。进来之后我们提供换鞋的区域来提升仪式感。脱鞋的时候还看不到后面的槐树林，需要走两三步，眼前半透、自动的玻璃才慢慢打开。后面就是完全是通透的，有种从建筑空间穿越到树林里的感觉。

入口门廊后的树林风景

阿那亚森海·隐泉餐厅，北戴河，2018

金山岭马术中心也是阿那亚的一个项目。场地的坡度非常大，我们需要尽可能地利用地形。考虑到金山岭大部分访客是从北京开车过去，开车一个小时内几乎到处都是山，如果到了这里还是山就没什么感触了。所以我们利用地形对景观进行了一些处理。两边大概是4米高的土坡，人走下去大概需要两三分钟的时间，这时看不到山体。经过入口建筑走到下面会突然看到很开阔的自然风景，这里的山体、长城也会给人一些新的认知。我们不希望房子建出来后是很新的样子，我们更希望它好像原来就在那里，像是几百年里长出来的。

阿那亚金山岭马术中心，承德，2018

另外一个项目是在海边的温泉泡池，这是一个新的课题。其它项目都是场地、环境给出一些条件，我们看到条件就知道如何设计。但是海边很广阔，视野里只存在三个颜色（天，海，沙），在开阔的环境里很难得出对话的对象，所以我们进行了特殊处理。这个黑色的体量里边发生的任何活动外面都看不到，入口很小。我们把空间的整个尺度压到和人体尺度比较接近的范围里，泡池放在二层，慢慢走过比较黑暗的空间，会突然获得豁然开朗的感觉。从出发点到目的地的过程提供给人对环境的独特认知。

海边温泉泡池，河北，2021

最后一个项目是都江堰森林酒店。都江堰的雾气极大，日照特别稀少。这种环境给了我们方向，把所有的屋顶都设定为35.5°，即当地冬至日的太阳高度角。屋顶和太阳高度角平行布置，夏天可以遮阳，冬天能够尽可能多地让外界的阳光直接进入到室内空间。这个屋顶从顶面看起来很不规则，因为要保留原来的大树。这也是我们的一个原则，尽量少地破坏自然，但要最大化地接触自然。

都江堰森林酒店，成都，2019

我将以作品为例来表达我对于东西方文化之间关系的理解，以及我自身的处理方法是如何应对和转化的。我的每个作品，其实都在平衡东西方文化之间的关系并且对这种关系进行转化。我所有的雕塑创作全部来源于真实的生活和爱好。从小时候开始，我就特别喜欢音乐，高中开始接触街舞这项运动。我觉得街舞可以用身体来表达音乐，同时又是一种运动，对我非常有挑战性。直到现在我仍在为中国街舞的发展做一系列力所能及的事情。除了街舞我还爱好画画，所以大学选择了雕塑专业。

黄玉龙与他街头文化风格的工作室

我在景德镇陶瓷学院读大学。刚到景德镇时内心非常排斥这个地方，因为我比较喜欢街头文化这种年轻化的东西，比较有激情、挑战性和冒险的精神。景德镇是一个非常传统的中国小城，我每天面对的都是耳濡目染的陶瓷大生产。在这个环境里面很难找到真正让我感兴趣的东西，那个时候太年轻，不懂沉下心来去看那些经典和传统的东西。这种纠结的过程一直伴随着我整个大学生活。到了毕业的节点，我开始思考应该用怎样的毕业创作为本科四年划上句号。

于是我创作了卫衣人的形象，用做传统雕塑佛像的手法做了两个rapper的形象。所有传统工艺的装饰手法全都用到了两个陶瓷的rapper形象上面，包括blingbling的风格。当时做卫衣系列的时候，我还是用陶瓷材料去做的。从材质本身的釉色和各方面的选择上来说，我想尽量让作品脱离我当时所排斥的传统陶瓷的印象，所以我直接用金色的釉进行呈现。很多人第一眼甚至看不出它是陶瓷作品。

卫衣人这个形象从外表上很西方，但从他的手势和内核可以感觉到东方的元素。当我从事街舞这项运动的时候，我在慢慢用自己对生活的感受、经历，转化我对街头文化的理解。

我的每件作品都在伴随我成长。卫衣系列是在景德镇传统的造像基础上，直接加泥巴重新塑造为一个新的卫衣形象。比如说这件可以看出它的原型是景德镇传统陶瓷五子罗汉。

我比较排斥景德镇传统雕塑的生产，因为它在不停复制景德镇传统的雕塑形象，模型形象发生了损耗，但这些从事陶瓷工艺制作的师傅们好像没有很重视。所以现在生产的很多传统工艺品的形状已经慢慢流失。我用我的方式对这些传统形象表达出态度，我觉得需要对这些传统的东西有一定的尊重，所以就有了卫衣的弥勒系列出现。包括这件托塔也是在传统雕塑《黄安守龟九千年》的基础上加泥获得的。

到了北京以后，我所有艺术生产的工艺和材料都发生了改变。在北京不太方便制作陶瓷，于是我把原陶瓷类的材料全都转到了不锈钢和柱头上。天地传达的依然是街头文化跟东方文化之间的连接关系，借用了天上地下唯我独尊的佛教故事。

这件作品实际上我想表达的是一个特别轻松的话题，当我有了女儿以后，发现孩子在婴儿时期的手非常短，很难摸到自己的头顶。我借用了这种形式来表达孩子在婴幼儿时期的可爱状态。

On my way是2014年的作品，这一年对我很特殊，在我的人生中是一个新的起点，刚好也是我女儿出生的那一年，所以我用对生活的期盼创作了这件作品。

2014年以后，我开始关注到作品和观者之间的互动关系。好像之前所做的雕塑，都在努力证明我为什么热爱街头文化或是怎么把它做成中国街头文化的表现，一直在表达我的态度。但是后来我发现要想让作品真正融入到观者和生活里，需要给观众空间，这是一件作品进入公共空间必须要有的特质。我开始给雕塑留白，所以有了be my side系列的创作。

在我的卫衣人创作系列中会有一些小孩的形象出现，这是因为我有了女儿以后，我的生活带给我一种反射。作品表达的也是我和女儿的一种关系。

自从2014年往后，我创作的语言和话题好像转到了另一个生活层面。在这里我想表现的是一种东方的太极。我用了国际通用的碰拳礼，把另外一个人做了180度的调转。我想表达东西方思维的差异。在中国一切都是正反相互博弈，阴阳相辅相成，所有的世界都有两面性，包括人和人之间的交往。

雪花系列源于2016年左右法国巴黎的爆炸事件。我希望把战争和暴力融化掉，尝试了各种材料以后，最终锁定材料为琉璃。用冰块做更好，但工艺上不可能实现，也没办法展示，所以用琉璃来代表冰块的感觉，把枪做成矩阵式的发散型排列。从象形主义上来说，枪的不规则外形跟雪花自然的、微观的全部形状，有着特别接近的形象。

我有很多其他方面的尝试，我关注的现象和话题都是国际化的，但我所用的表现形式全部是东方的。我用陶瓷材料做了一副肖像，my queen和my king是一对，用到了枷锁等控制人的工具。

下面介绍一些装置类的作品。我有幸参与到艺术旅行的项目，跟李亚鹏和叶帅老师开始了旅程。我们从内蒙走到云南，把每个城市作为创作点进行在地性的创作。像是打猎一样，我们在没有任何计划和准备的情况下进行创作。贺兰山上有一种贺兰石，它的颜色有土红色、粉绿色、粉青，特别像中国古代山水画里的颜色。我用了两天时间上山捡大大小小的石头，到戈壁滩上找一块空地，开始对我眼前看到的贺兰山进行写生。

这是我的月亮手绘艺术装置，2015年在澳门安装。做第一件月亮作品的时候，并没有把它当成认真的艺术创作，只是送给我女儿的礼物。受到法国儿童绘本的启发，我动手做了一个，所有的朋友都非常喜欢，我又做了二十多个送给我身边的好朋友。后来慢慢发现淘宝上开始有了各种月亮灯，甚至还有人把我的名字写在了月亮灯上。后来我就把月亮灯做成了一款可以大批量复制的产品，以商业的方式去回击这些抄袭者，开始了一项商业反抄袭的战争。

这件艺术装置曾被其他商家原封不动搬到淘宝上。把兔子灯和月亮放在一起是北京设计周的设计猫单位帮我们完成的创作。

在2016年中秋节那天，我用一辆皮卡车带着月亮绕北京城逛了一圈。中秋节当晚最大的消费主题就是月亮、月饼，我就想如果我把月亮偷走大家还玩什么？其实我的很多创作的思维方式要么是反商业，要么就是非常叛逆的角度。

这件是在深圳双年展上为深圳创作的一件作品，当时我把月亮做成了各种各样的形状。我发现月亮的仿版越来越多，我就把月亮做成了方形、三角形等不同的形状。我并不想像科学家一样跟大家介绍什么是月球，我只想表达人站在地球看到月亮的感觉。中国人心中的月亮跟国外、西方所描述的月亮不一样，所以我作品的名称叫“yueliang”，让人看到它的发音不是“moon”或“luna”。

我还有一些展览经历。如在法国外交部城堡和巴黎大皇宫。在巴黎大皇宫我们把东方语境带到了西方的艺术世界。那次的效果我很感动，人们会对着这些雕塑看很久。

我跟一些品牌也有合作的项目经历。Burton来北京做第一家旗舰店是我帮他们做的合作。他们分别找了一位日本艺术家和中国艺术家，左手边是日本艺术家的涂鸦的创作，右手边是我的作品，图案设计的原型是紫禁城的手绘地图。

我的好朋友有个品牌叫SUBCREW，想跟我合作一款滑板，我做的东西可能跟他想象的东西不太一样，但我觉得这个做出了我想要的东西。

2015年的时候，安妮海瑟薇参加大都会慈善艺术晚宴。当年的主题是中国主题的水月镜花，安妮海瑟薇和Ralph Lauren想找一个中国的当代艺术家作为概念来源进行合作。他们找到了我这件雕塑。Ralph Lauren根据这件雕塑给安妮海瑟薇做了一件金色的卫衣礼服。

以及和日本的品牌READYMADE还有吴建豪的三方联名快闪店。

我的展览空间不仅局限于大街上和展厅里，我希望把它放在任何空间，只要人们能看到的地方都是我可以展览的场地。作品如果只出现在画廊或者是美术馆，空间会保护作品，我喜欢做各种各样的尝试。

2018年帮刘德华先生做了演唱会的美术指导，一起创作了这件雕塑。舞台所有关于美术方面的概念、道具，包括所有的视觉设计，我都参与其中。

我把艺术创作放在了一个比较自由的空间里面。我为PH品牌设计了夜店空间。酒吧是完全暗的环境，我把整个空间当成作品承载的主体。

我用草场地作为灵感切入点，把中国的街头文化转化为中国的烟火气和江湖气。所以我把这些城中村的景象收集起来做了材料的转化，重新呈现在黑暗的空间里面。这是我第一次对烟火气风格的运用，也可以把它叫成城中村风格。

我还在上海设计了一个酒吧，“虫”，它的拼音是“long”，我想利用LOGO的形式来表达一种自信。年轻人应该有自信，知道自己应该读“龙”。我所采用的这些导光线和元素都是发自于底层。我做了一个反向的视觉误差，顶部用的材料是软膜天花，把它边缘做不规则的处理，让它看起来像是弄堂里的房檐遮挡住的天空。

跟MUSTANG的合作灵感是赛跑。这就像是一个打猎的过程，当一个猎物过来时，我在想用什么样的武器去回击它。所以当我见到一个特别强劲的跑车时，我想做的事情就是跟它赛跑比一次。

01

白小白：在您的作品当中，您如何抓住东方文化的精髓？

郑东贤：我希望更多人能通过不同角度去探索东方文化。对我来说，建筑师在做房子时需要考虑跟周边环境的关系，因此我更多挖掘的是100年之前东方人眼中的环境和建筑的关系。

02

白小白：同时有中、日、韩的生活经历，在诠释作品的时候，怎么处理三个国家相同的文化？

郑东贤：个人而言确实有三个国家的生活工作经验，但从做设计的角度来说，三个国家的建筑或是对自然的理解是有共同点的。不同的应该是某个地方，而不是某个国家。就像中国这么大的国土，很多地方气候、地形、民族、语言、食物都不一样。不同的环境中建筑也是不一样的。房子所在的环境、位置才会影响建筑的样子。

03

白小白：最近像土味爱好者、审丑风潮等文化语汇层出不穷。如果让您创造一种全新的青年文化类，您希望它是如何表述的？

黄玉龙：我极其厌恶这些网络用词，想要生活越过越好，首先得有审美。企业有审美会比别人有更强的生命力和竞争力，人有审美喜欢你的人都会更多一点。我希望我所表达的年轻文化不管对谁来说，都是积极向上的。

04

白小白：多元化的亚洲文化对发掘自己的东方属性有哪些帮助？西方文化对您的创作又有哪些启发呢？

郑东贤：西方文化的启发大概有两个层面。一个层面是文化的影响，比如穿的衣服和用的笔。另外一个层面是我们在学校里边学到的建筑学、教育的体系都是西方的。东方国家从来没有追求通过科学和学问的方式来传达建筑。100多年以前亚洲国家出现了现代建筑学的课程，里边的学科、结构都是从西方的体系来的，我们通过这些西方来源的东西和技术进行生活、建造。现在人们对东方传统的理解，好像认为跟自己没关系。时间再过100年、200年，这个断层很可能越来越深。建筑师多少有一些责任，我们要挖掘出自己是什么？我们的祖先理解的理想状态、房子、环境是什么样的？我们的设计要体现更多精神层面的东西，而不仅是物质方面。

05

白小白：郑老师和黄老师是两个完全不同的表达形式。黄老师更加外向，郑老师更加内敛。如果两位要合作的话，会不会有一种反差感、冲突感和融合感呢？

黄玉龙：我非常期待，因为我还没办法想象我们共同创作的作品会是什么样的。我觉得建筑师是在做超大的雕塑，每一件都是空间跟大地的对话。我们做雕塑可能更加微观、具象一点。只是维度的不同，但归根结底都是雕塑。

郑东贤：虽然我们现在做的工作有所不同，但根本的态度和对人的理解、对空间的把握有很多的共通点。有共同点又有不同才能发生碰撞，从而出现一些新的结果和惊喜。

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